ДЕКОРАТИВНЫЙ НАТЮРМОРТ В РУССКОЙ ЖИВОПИСИ СЕР. XIX — НАЧ. XX ВВ.

DECORATIVE STILL LIFE IN RUSSIAN PAINTING SER. XIX - XX CENTURY

Sofia Pritula

student, Department of Social and Artistic Education, Surgut state Pedagogical University,

Russia, Surgut

Gennady Beloshapka

scientific adviser, cand. ped. Sciences, associate professor, Surgut state Pedagogical University,

Russia, Surgut

АННОТАЦИЯ

В статье предлагается общий обзор истории становления декоративного натюрморта в русской живописи середины XIX - начала XX веков на примере работ выдающихся отечественных живописцев. Особое внимание уделяется определению понятия декоративный натюрморт и искусствоведческому анализу художественных произведений известных отечественных художников.

ABSTRACT

The article offers a general overview of the history of the formation of decorative still life in Russian painting of the mid-XIX - early XX centuries on the example of the works of outstanding Russian painters. Special attention is paid to the definition of the concept of decorative still life and the art criticism analysis of the works of famous Russian artists.

Ключевые слова: живопись; художник; декоративная живопись; натюрморт; декоративный натюрморт; композиция; композиционное построение натюрморта; выразительные средства композиции; замысел произведения; стилизация.

Keywords: painting; artist; decorative painting; still life; decorative still life; composition; compositional construction of still life; expressive means of composition; the idea of the work; stylization. painting; artist; decorative painting; still life; decorative still life; composition; compositional construction of still life; expressive means of composition; the idea of the work; stylization.

В жанре изобразительного искусства «Натюрморт» очень ярко раскрывается отношение художника к окружающему предметному миру. Все разнообразие неодушевленного предметного мира становится объектом изображения художника. Еще за долгое время до становления в самостоятельную область творчества художественной деятельности, искусство вещи было составляющей частью каждого значительного произведения. Предметы участвовали в создании образа и несмотря на исторические условия и общественные запросы, оттеняли каждую сторону замысла. Опираясь на толковый словарь русского языка Д.Н. Ушакова, натюрморт (франц. nature morte — "мертвая натура") — это жанр изобразительного искусства, чаще всего живописи, в котором изображаются предметы неодушевленной природы, соединенные художником в отдельную группу и представляющие собой целостную композицию либо включенные в композицию картины иного жанра [3, с. 392].

Г.М. Логвиненко в своей работе выделяет, что «декоративное обобщение изображаемых фигур и предметов с помощью условных приёмов, упрощения рисунка, цвета и объёма - необходимый и естественный метод в декоративном искусстве, также декоративность можно рассматривать как форму выражения красоты» [1, с. 73]. Он утверждает, «что декоративный натюрморт, как и декоративная живопись - это творческий переход от натуры к решению композиции и воплощению ее в различных материалах» [1, с. 79]

В русской живописи, особенно ярко и полно натюрморт получил расцвет в середине XIX — начале XX веков. Различные его качества были объектом перевоплощения, которые через раскрытие снова понятых качеств вещей излагали свое отношение к действительности, переоценку ценностей, меру понимания реальной действительности. В середине и второй половине XIX столетия в творческой деятельности русских реалистов натюрморт был явлением сравнительно редкостным. В художественное явление мирового масштаба он вырос только на рубеже XIX — начале XX вв. В 1880-х годах в русской живописи начинает рождаться особый интерес к натюрморту. Творчество К.А. Коровина (1861 — 1939) и И.Э. Грабаря (1871 — 1960) наиболее ярко показало эти новые веяния. Стремление художника объединить натюрморт — живописно и сюжетно с окружающей средой - это и есть характер новых тенденций. В творчестве Константина Алексеевича Коровина данную тенденцию можно увидеть в картинах «На берегу моря» (1910), «Гурзуф. Корзина фруктов» (1916), «Розы и фрукты» (1917). В этот период художника увлекает полнота выражения солнечного света, достижение максимальной светлоты и цветовых контрастов. "Мертвую натуру" пробуют выносить на пленэр, под открытое небо, то есть на воздух, связывают с пейзажем или же, наоборот, органически пробуют связать с интерьером комнаты. В натюрморте пытаются разглядеть отражение мироощущения изображаемого конкретного человека, его настроения и жизненного уклада. К органичному, совместному объединению натюрморта с пейзажем, портретом, бытовой живописью и интерьером во многих случаях подводит художника к стремлению увеличить все границы натюрморта, плотнее объединить его с человеком и с окружающим его миром. Изображая "мертвую натуру" таким способ, она становиться здесь более многозначительной, становится активным средством раскрытия образа. Такое свойственно и для начальных этапов, и для всего периода становления натюрморта конца XIX - начала XX столетий. Особенно такую связь натюрморта с пейзажем мы можем увидеть в творчестве И.Э. Грабаря и К.А. Коровина.

Игорь Эммануилович Грабарь (1871- 1960 гг.) является художником не только другого поколения, но и другого направления, чем художник К.А. Коровин, но его также относят к типичным и лучшим представителям русского импрессионизма. Грабарь внес в жанр изобразительного искусства «натюрморт» много новых колористических и композиционных решений. В его творчестве много воздушных, прозрачных натюрмортов в духе П. Сезанна и К. А. Коровина, так и более декоративных. Например, картины «Яблоки» (1905) и «Груши на синей скатерти» (1915) отличаются более «плотной» пропиской форм предметов, ярким цветовым контрастом, декоративностью, наличием орнаментики и передачей условного, декоративного пространства. Декоративные поиски, которые И.Э. Грабарь вел в пейзаже, продолжались и в натюрмортах - стремление к общему цветовому тону, к выражению красочной природы изображаемого мотива [2]. Но. И.Э. Грабаря и К.А. Коровина, мы можем объединить, лишь слишком широко понимая импрессионизм как искусство трактовки природы и оптического восприятия. Именно у этих художников в творчестве большое количество работ, которые можно отнести к натюрмортам в чистом виде. Такое наиболее четкое выражение новые тенденции нашли именно в их искусстве: натюрморт органически объединяется - чисто живописно и по содержанию - с такой жизненной средой, в которой существует человек, начинает быть выразителем его настроения. У И.Э. Грабаря и К.А. Коровина мы находим то понимание натюрморта, которое отнюдь не было единственным для периода конца XIX - первых лет XX столетия.

В 1910-х годах наступил расцвет натюрморта. Одни художники, неуклонно стремятся к реализму, открывают истину в процессе анализа и отказываются оттого, что в их опытах было ложного и случайного. У других искания начинают превращаться в экспериментаторство, иногда перерастают в сознательную спекуляцию на вкус малоподготовленной, легковерной буржуазной публике, которая осаждает модные выставки. К великим живописцам данного периода мы можем отнести Кузьму Сергеевича Петрова-Водкина (1878-1939 гг.), который был мощным, самобытным, необычным живописцем со своим видением цвета, композиции, формы и перспективы. Его картины необычайно выразительны, в них немного деталей, но много глубокого смысла и чувства. В творчестве К.С. Петрова-Водкина оставила след переломная эпоха: первая мировая война, революция, гражданская война. В трудный 1918 год он работал преподавателем художественного училища в Петербурге. Именно в это время он создал "Утренний натюрморт" - один из выдающихся натюрмортов. "Утренний натюрморт» дышит свежестью и чистотой цвета. Его особая четкость, где предметы не заслоняют друг друга и как бы названы по очереди, рождает чувство радости от созерцания данного натюрморта, простого и такого, в сущности, непростого, как не однозначно и не просто все искусство К.С. Петрова-Водкина. Во всех натюрмортах К.С. Петрова-Водкина самое поразительное заключается в том, что скрупулезный, пристальный анализ предметов и строгая, композиционная построенность холста не лишают натюрморты непосредственности художнического восприятия натуры, богатства и тонкости цвета. «Розовый натюрморт» весь пронизан светом, который выделяет ветку яблони, рассыпанные плоды и стеклянный стакан на столе. Особенная четкость расстановки предметов на столе по диагонали задает ритм произведению и выразительность образов. Насыщенный контрастный рисунок фона скатерти и фрукты – главное в натюрморте «Яблоко и лимон».

Также по-своему живописны картины Александра Васильевича Куприна (1880-1960 гг.). Цвет, формы предметов облекает соответственно их значению и смыслу. А.В. Куприн всегда с точностью продумывает композицию, придавая ей пластические и цветовые ритмы. Художника не интересует реальная фактура предметов. В «Натюрморте с тыквой» (1912) все предметы имеют четкие объемно-пространственные, колористические и формообразующие характеристики, но отличия дерева от ткани или стекла от металла не чувствуются. Художник закручивает предметы по спирали в пространстве картиной плоскости, тем самым задает динамику и движение внутри картины. Композиционной доминантой в работе выступает тыква, ее художник выделяет контрастным цветом и масштабом изображения. В интерьерных натюрмортах «Красные искусственные цветы и зеленый поднос на белом фоне» (1917) и «Натюрморт. Цветы на фоне набойки» (1917) художник объединяет все предметы натюрморта в одну общую фигуру, убирая реальность пространства и меняя его на условное. Причем, композиционные схемы обоих натюрмортов схожи и главным предметом является букет цветов, который выделен цветовым контрастом. Декоративность работам придают орнаментальный фон драпировки, условное пространство, обратная перспектива изображения. Огромное количество цветочных букетов было написано А.В. Куприным в период его творчества в «Бубновом валете» и в более поздние периоды. В натюрмортах «Розовые, лиловые и черные цветы на розовом фоне» (1926), «Белые и розовые искусственные цветы на черном фоне, с желтой миской и синим бокалом» (1929) очень ярко проявились основные тенденции характерные для его цветочных композиций: меняются пропорции изображения предмета, а также происходит изменения пропорций и между несколькими предметами натюрморта; форма предметов и цветов становится более декоративной; активно используются тональные и цветовые контрасты по дополнительным и родственным цветам; в изображение вводится декоративный контур. Манера художественного мышления А. В. Куприна и в наше время кажется необыкновенно современной. Натюрморт для него - это школа для постижения пластических закономерностей предметного мира и создания собственных художественных приемов.

Особой популярностью в данный период пользовались натюрморты знаменитого художника Ильи Ивановича Машкова (1881-1944 гг.). В 1910 году он начал выставлять свои первые картины. Художник старался показать простую красоту окружающих его предметов. «Натюрморт с фруктами» одна из знаменитых работ И.И. Машкова, написанная в 1908 году. Картина была создана в типичной для художника манере: яркие, сочные краски, крупные мазки. На фоне ярких цветных орнаментальных драпировок, лежащие оранжевые, красные, зеленые и желтые фрукты растворяются. Ярким пятном выделяются белое блюдо и керамический кувшин с узорами. В дальнейшем И.И. Машков повторит эти приемы соединения фона и предметов натюрморта, бесперспективное плоскостное изображение предметов, и в ряде других своих работ, например, «Натюрморт с бутылкой, кувшином и фруктами» (1910), «Натюрморт» (1913). При этом сочетание набора предметов в постановках натюрморта будет повторяться. В работе «Натюрморт с ананасом» (1910) художник отходит от реалистического изображения в стилизованное и декоративное. Перед нами абсолютно симметричная уравновешенная ротондная композиция, где композиционный центр натюрморта совпадает с геометрическим центром. Упорядоченный ритм предметов задает движение по кругу. Блюдо с фруктами развернуто так, как будто на него смотрят сверху, что позволяет полностью изобразить фрукты, лежащие на блюде. В своих дальнейших работах И.И. Машков стал более свободно перемещать предметы в композиции, меняя их местами, увеличивая или уменьшая пропорции предметов в зависимости от значимости изображения, например, в Натюрморте 1910 года. Художник намеренно вводит дополнительные объекты, драпировки, орнаментальный или условно-пейзажный фон и другие предметы изображения для заполнения пространства. Изменяет реальное цвето-тональное решение натюрмортов в пользу стилизованного условного цветового колорита, направленного решения декоративных задач.

Таким образом, всматриваясь в натюрморты русской живописи середины XIX - начала XX веков, мы видим, как по-разному они подходили к своим задачам, и это чувствуется даже в характере изображения предметов по отдельности. В середине XIX — начале XX веков многие живописцы по-своему решали задачи натюрморта переходя от академического постановочного натюрморта в декоративный стилизованный натюрморт. Художники начинают воплощать в своих работах авторскую, творческую интерпретацию предметов окружающей действительности, определяя предельную выразительность образов, наделяя образы сакральным смысловым звучанием и вносят в свои работы индивидуальное отношение к изображаемому.

Список литературы:

1. Логвиненко Г.М. декоративная композиция: учебное пособие для студентов вузов, обучающихся по специальности «Изобразительное искусство». – М.: ВЛАДОС, 2010. – 144 с.
2. Скрипникова Е.В. Композиционные принципы декоративного натюрморта // Омский научный вестник : науч. журн. / учредитель ФГБОУ ВО Омский государственный педагогический университет. – Омск, 2011. – № 6 (102). – С. 240-243.
3. Ушаков Д.Н. Толковый словарь современного русского языка. – М.: АСТ, 2014. – 800 с.